Willys de Castro

Brazilian, 1926–1988

“La nueva obra de arte es tanto más creativa y viva cuanto mejor integra el fundamento de sus ideas, creando una interdependencia y coherencia tan extremas que sus propios límites no se pueden definir con precisión”. — Willys de Castro

Artist Willys de Castro also worked as a graphic and industrial designer, composer, poet, and technical draftsman. Whether figuring out a problem or rehearsing a theme, his geometric compositions often seem like exercises or prototypes. But his broad aesthetic interests and his experimental approach to these many forms always sought the same thing: the total inseparability of idea, material, and support.

Born in Minas Gerais, Brazil, de Castro moved to São Paulo to study chemistry in 1941, a period of rapid industrialization in Brazil. His earliest paintings date from the late 1940s, when he did freelance work for art studios, print shops, and experimental theater. In 1953 he composed the score for a production at the Teatro de Cultura Artística in collaboration with the artist Hércules Barsotti, who designed the sets. The following year, they founded a graphic design studio together; the two were creative and life partners for over 30 years.

Early drawings such as Untitled (c. 1954) and Untitled (c. 1956) reflect de Castro’s graphic design work: blocky, geometric forms are balanced by inversions and repetitions, suggesting oppositional space. Unlike Barsotti, who worked only in black and white in these years, de Castro introduced pulsations of color to create a sense of sequence. “De Castro manages to capture and realize time in his work,” the artist Theon Spanudis wrote in 1959. “Not mechanical time, which translates into painting as the sense of movement and speed, but organic time, the one that creates, destroys and recreates permanently.” Paintings such as Composition (1954) and Modulated Composition (1954) adhere to the principles of Concrete art that predominated midcentury Brazil—precise lines, polished surfaces, the negation of pictorial space—while joining the work of artists such as Lygia Clark in an analysis of the planar space inside the frame.

A gifted baritone, de Castro composed dodecaphonic, or 12-tone music, which he performed with the group Ars Nova, and concrete poetry, which he called “scores for oralizing.” Poster-poem (1958) combines the two formats, introducing text as a graphic element in motion. By repeating and alternating the words “down” and “deep” to describe a descent, de Castro actively leads the eye to the bottom edge of the composition. The participation and sensorial experience invited by this poem signaled de Castro’s alignment with the Neo-concrete movement. Breaking away from the strict, planar geometry of the São Paulo Concretists, the mostly Rio-based Neo-concretists embraced a more active, participatory relationship to objects. De Castro contributed poems to the first Neo-concrete Art exhibition in Rio de Janeiro (1959) and to Max Bill’s exhibition Konkrete Kunst in Zurich (1960).

With its expanse of open space and activity at the edge of the plane, Poster-poem also established the compositional premise of de Castro’s Active Objects, an important series exploring volumetric color. In paintings such as Active Object (Yellow) (1959–60) and Active Object (1961), small fields of color unfold and edge off the canvas, inviting viewers to move around them in order to perceive them dynamically. This impulse culminated in works such as Active Object (Red/White Cube) (1962) and Active Object (1961), in which the artist stretched his canvases over ever-more sculptural wooden supports. “The new work of art,” de Castro wrote in 1960, embeds ideas in its very support. It is “more creative and alive the more the support of its ideas becomes part of it, through extreme interdependence and coherence, to the point that its limits cannot be perfectly defined.” In Neo-concrete art, space itself is a material, and experiencing it “triggers a torrent of perceptive phenomena and meanings, full of new revelations.”

De Castro’s experiential approach to objects was not dogmatic; despite his alignment with Neo-concretism, he cofounded, with Barsotti and Waldemar Cordeiro, the Galeria Associação de Artes Visuais Novas Tendências (New Tendencies Gallery) in the 1960s. In the 1980s his active objects evolved into a new series, Pluriobjects, hovering somewhere between sculptures and reliefs. As the critic Alberto Tassinari later wrote, “More than in balance, they are at rest. And, like everything that inhabits space, they inhabit themselves first.”

Julia Detchon, Curatorial Associate, Department of Drawings and Prints, 2025

Note: opening quote is from Willys de Castro, “[a supressão da fase material dentro de artístico...]” (Galeria Aremar, 1960). Accessed at https://icaa.mfah.org/s/en/item/1090101.

El artista Willys de Castro además se dedicó al diseño industrial y gráfico, trabajó como compositor, poeta y dibujante técnico. Tanto al resolver un problema como al practicar alguno de sus tema, sus composiciones geométricas a menudo parecían ejercicios o prototipos. Pero la amplitud de sus intereses estéticos y la manera experimental en la que abordaba esa diversidad de formas siempre buscaban lo mismo: la absoluta imposibilidad de separar idea, material y soporte.

Aunque nació en Minas Gerais (Brasil), de Castro se mudó a São Paulo para estudiar química en 1941, un período de rápida industrialización en el país. Sus primeras pinturas están fechadas a finales de la década de 1940, cuando trabajaba como freelance para talleres de arte, imprentas y teatros experimentales. En 1953 compuso la banda sonora de una producción del Teatro de Cultura Artística en colaboración con el artista Hércules Barsotti, encargado diseñar la escenografía. Al año siguiente, ambos fundaron un estudio de diseño gráfico y siguieron trabajando juntos como compañeros creativos y sentimentales durante más de treinta años.

Algunos de sus primeros dibujos, como Sin título (c. 1954) y Sin título (c. 1956), son un reflejo del trabajo de De Castro como diseñador gráfico: formas geométricas macizas que alcanzan el equilibrio mediante la inversión y la repetición, lo que sugiere la oposición de los espacios. A diferencia de Barsotti, que en aquellos años trabajaba únicamente en blanco y negro, De Castro introdujo pulsos de color para crear una sensación de secuencialidad. “De Castro logra captar y plasmar el tiempo en su obra —escribió en 1959 el artista Theon Spanudis. No el tiempo mecánico, que se traslada a la pintura en la sensación de movimiento y velocidad, sino el tiempo orgánico, el que se crea, destruye y recrea constantemente”.

Obras como Composicão (1954) y Modulated Composition (1954) cumplen los principios del arte concreto predominante en Brasil a mediados de siglo—líneas precisas, superficies lisas, la negación del espacio pictórico— pero al mismo tiempo se unen al trabajo de artistas como Lygia Clark al analizar el espacio plano en el interior del marco.

De Castro era un barítono con gran talento y compuso música dodecafónica—de doce tonos— que interpretaba con el grupo Ars Nova. También poemas concretos a los que denominó “partituras para la vocalizar”. Poster-poem (1958) combina ambos formatos, ya que introduce el texto como un elemento gráfico en movimiento. Al repetir y alternar las palabras “abajo” y “profundo” para describir el descenso, De Castro activamente dirige la mirada del espectador hacia el borde inferior de la composición. El poema invita a una participación y una experiencia sensorial que muestran la alineación de De Castro con el movimiento neoconcreto. Tras romper con la geometría estricta y plana de los concretistas de São Paulo, los neoconcretistas— afincados en su mayoría en Río de Janeiro— adoptaron una relación más activa y participativa con los objetos. De Castro formó parte de la primera exposición de arte neoconcreto de Río de Janeiro (1959) y de la exposición Konkrete Kunst de Max Bill en Zúrich (1960) con algunos poemas.

Con su amplia extensión de espacio abierto y actividad en los bordes del plano, Poster-poem además estableció las premisas compositivas de lo que sería Active Objects, una serie muy importante en la trayectoria de De Castro que exploró el volumen del color. En piezas como Active Object (Yellow) (1959–60) y Active Object (1961), pequeños campos de color se despliegan y deslizan fuera del lienzo, invitando a los espectadores a moverse alrededor para percibirlos dinámicamente. Este nuevo impulso culminó en obras como Active Object (Red/White Cube)(1962) y Active Object (1961), en las que el artista fue tensando sus lienzos sobre soportes de madera cada vez más esculturales. “La nueva obra de arte— escribió De Castro en 1960— es tanto más creativa y viva cuanto mejor integra el fundamento de sus ideas, creando una interdependencia y coherencia tan extremas que sus propios límites no se pueden definir con precisión”.

Para el arte neoconcreto, el espacio es en sí mismo un material y al experimentar con él “se desencadena un torrente de fenómenos perceptivos y de significados, cargado de nuevas revelaciones”.

El acercamiento experiencial de De Castro a los objetos no era dogmático. A pesar de haberse alineado al neoconcretismo, en la década de 1960 cofundó, junto a Barsotti y Waldemar Cordeiro, la Galeria Associação de Artes Visuais Novas Tendências. En la década de 1980, sus objetos activos evolucionaron hacia una nueva serie, Pluriobjects, a mitad de camino entre la escultura y el relieve. Como escribió el crítico Alberto Tassinari tiempo después: “Más que en equilibrio, están en reposo. Y al igual que todo lo que habita el espacio, primero se habitan a sí mismos”.

Julia Detchon, Curadora adjunta, Departamento de Dibujos y Grabados, 2025

Traducción al español por Carmen M. Cáceres

Nota: la cita inicial es de Willys de Castro en “[a supressão da fase material dentro de artístico...]”, (Galería Aremar, 1960). Disponible en https://icaa.mfah.org/s/en/item/1090101.